A exposição que Carolina Martinez apresenta na Galerie Ilian Rebei é como um marco, ao mesmo tempo, de vértice e ruptura dentro da sua produção. Uma continuação e também um recomeço. Nessa Alvorada da artista brasileira – sua primeira individual no continente europeu – somos levados a experimentar no conjunto de dez telas, de diferentes formatos, de sua produção recente, ainda inédita, um lugar entre o real e o inventado, investigado por ela em pouco mais de 10 anos de produção.
Carolina vem construindo um corpo de trabalho que se move como provocações – do plano pictórico, da imagem, do espaço e, talvez cima de tudo, do olhar. Espaços arquitetônicos e superfícies urbanas sempre ocuparam um lugar fundamental nesse processo. Os espaços construídos pela artista são desdobramentos de uma pesquisa de imagens da arquitetura, especialmente moderna, no Brasil e no exterior. Algumas dessas imagens são feitas por terceiros e outras, feitas pela própria artista. A grandiosidade física e histórica desse tipo de construção contrasta com os ângulos inusitados que pinturas, fotografias e colagens de Carolina revelam, normalmente ressaltando o vazio e uma espécie de melancolia ou frustração. É curioso porque, apesar de serem obras onde o corpo humano nunca aparece visualmente, os ângulos e cortes que elas apresentam só um corpo presente no espaço poderia perceber e revelar.
É como se certa racionalidade e pureza do projeto moderno fosse deixada de lado para apontar para experiência do corpo que habita esse espaço, e até mesmo, entender esse espaço como uma espécie de corpo, com personalidade e características próprias. Ângulos, escalas, enquadramentos, a aplicação de folhas de madeira e a lógica modular de alguns trabalhos são condutores das provocações da artista, ao plano pictórico, à superfície da tela, e também ao olhar do próprio espectador. Como é possível redescobrir lugares que parecem ao mesmo tempo tão próximos e tão indiferentes? Espaço que parecem oscilar entre lembranças e esquecimentos.
As obras recentes reunidas em L’Aube renovam e reafirmam esse interesse da artista pela arquitetura, mas há também algo de novo nessas pinturas: a relação de Carolina Martinez com a cor. Os trabalhos anteriores são marcados por tons neutros, que em grande parte eram os responsáveis pela atmosfera silenciosa, vazia e melancólica dos espaços que víamos até então. A cor era aplicada na superfície praticamente em sua forma bruta, sem misturas, variando apenas entre tons mais claros ou mais escuros. O uso do spray e não do pincel também reafirmava certa impessoalidade da cor.
O que vemos agora é como uma redescoberta da cor, e das possibilidades que ela traz para o trabalho. A necessidade de isolamento e as restrições dos dois últimos anos causados pela pandemia de COVID fez com que Carolina tivesse que lidar com alguns tubos de tinta colorida que mantinha guardados em seu ateliê, mas que sentia dificuldade de usar. Começou a misturar e produzir suas próprias cores a partir deles, em um processo de tentativa e erro, gerando seus próprios rosas, azuis, verdes, ocres e amarelos. Assim mesmo, no plural, porque se olharmos com atenção, essas cores se repetem nos trabalhos da exposição, mas em tonalidades ligeiramente diferentes. E elas habitam e constroem de maneira quase inesperada os espaços que vemos – que permanecem sem figuras humanas, mas não necessariamente evocam a sensação de vazio que se tinha até então. A artificialidade e autonomia dessas outras cores ressaltam a ideia de que o que vemos não é a reprodução de um lugar ou uma situação, mas efetivamente a construção dele e da pintura também. Uma outra atmosfera, agora flertando com a abstração, se constitui a partir da “personalidade” que cada uma dessas novas cores carrega, e que se evidenciam e se multiplicam conforme vão sendo construídas com a irregularidade das pinceladas, evidenciando os veios e desenhos da superfície de madeira, e colocadas em relação – entre elas e entre os espaços dentro e fora da tela.
Nas pinturas menores se apresentam enquadramentos mais aproximados, que transformam os detalhes espaciais quase em abstrações. Invenções onde a racionalidade geométrica é colocada em cheque, orbitando em torno de planos de cor. Já nas telas de maiores dimensões, algumas articuladas em módulos enquanto outras se estruturam em uma única placa de madeira, esses planos de cor se articulam de maneira ainda mais complexa. E mesmo quando as obras carregam títulos narrativos, como Na cor onde te encontro, Falésia ou Memória do que não vi, elas ainda fazem questão de flertar com certa abstração. É preciso encontrar ali, entre ângulos, escalas, enquadramentos e, especialmente, cores, lugar para esses títulos-provocações.
Aqui é importante chamar atenção para uma genealogia da arte brasileira, em uma de suas muitas possibilidades estruturada a partir da relação com a cor. Nessa história, a trajetória poética de Hélio Oiticica entre os anos 1950 e 1970 é marco fundamental. Desde seus Metaesquemas, passando por Bólides, Parangolés e Penetráveis, há um interesse pela cor que ganha corpo e o corpo do espectador, e se lança para o espaço, dentro e fora do museu, dentro e fora dos limites da arte. É a cor, que deixa de ser pensada como complemento ou preenchimento da forma, colocando de lado uma relação com o mundo e com o real baseada em princípios da representação, para começar a ser pensada como elemento estruturante de todo o trabalho. A cor, que flerta e tensiona o clichê tropical com o qual o sul teve e ainda tem que lidar. É a autonomia do pensamento a partir da autonomia da cor. São gestos aparentemente muito simples, mas são neles que tudo acontece.
Fernanda Lopes
The Dawn
The exhibition L’Aube that Carolina Martinez presents at Galerie Ilian Rebei is like a landmark, at the same time, of apex and rupture within her production. A continuation and also a fresh start. In this dawn by the Brazilian artist – her first solo show on the European continent – we are led to experience, in the set of ten paintings of different formats, from her recent production, seen for the first time now, a place between the real and the invented, investigated by her in little more 10 years of production.
Carolina has been building a body of work that moves like provocations – from the pictorial plane, the image, the space and, perhaps above all, the gaze. Architectural spaces and urban surfaces have always occupied a fundamental place in this process. The spaces built by the artist are the result of a research of images of architecture, especially modern, in Brazil and abroad. Some of these images are made by third parties and others are made by the artist herself. The physical and historical grandeur of this type of construction contrasts with the unusual angles that Carolina's paintings, photographs and collages reveal, usually emphasizing emptiness and a kind of melancholy or frustration. It is curious because, despite being works where the human body never appears visually, the angles and cuts they present only a body present in space could perceive and reveal.
It is as if a certain rationality and purity of the modern project were left aside to point to the experience of the body that inhabits this space, and even to understand this space as a kind of body, with its own personality and characteristics.Angles, scales, framing, the application of sheets of wood and the modular logic of some works are conductors of the artist's provocations, to the pictorial plane, to the surface of the canvas, and also to the viewer's own gaze. How is it possible to rediscover places that seem at the same time so close and so indifferent? Space that seem to oscillate between memories and forgetfulness.
The recent works gathered in L’Aube renew and reaffirm the artist’s interest in architecture, but there is also something new in these paintings: Carolina Martinez’s relationship with color. Previous works are marked by neutral tones, which were largely responsible for the silent, empty and melancholy atmosphere of the spaces we saw until then. The color was applied to the surface practically in its raw form, without mixing, varying only between lighter and darker tones. The use of spray and not brush also reaffirmed a certain impersonality of color.
What we see now is a rediscovery of color and the possibilities it brings to work. The need for isolation and the restrictions of the last two years caused by the COVID pandemic meant that Carolina had to deal with some tubes of colored paint that she kept in her studio, but that she found it difficult to use. She began mixing and producing her own colors from them, in a process of trial and error, generating her own pinks, blues, greens, ochers and yellows. Likewise, in the plural, because if we look carefully, these colors are repeated in the works in the exhibition, but in slightly different shades. And they inhabit and build in an almost unexpected way the spaces we see – which remain without human figures, but do not necessarily evoke the feeling of emptiness that we had until then. The artificiality and autonomy of these other colors underscore the idea that what we see is not the reproduction of a place or a situation, but effectively the construction of it and the painting as well. Another atmosphere, now flirting with abstraction, is constituted from the “personality” that each of these new colors carries, and that are evidenced and multiplied as they are built with the irregularity of the brushstrokes, evidencing the veins and drawings of the surface. of wood, and placed in relation – between them and between the spaces inside and outside the canvas.
In the smaller paintings, closer framings are presented, which transform the spatial details almost into abstractions. Inventions where geometric rationality is put in check, orbiting around planes of color. In the larger canvases, some articulated in modules while others are structured on a single wooden board, these color planes are articulated in an even more complex way. And even when the works carry narrative titles, such as Na cor onde te encontro, Falésia or Memória do que não vi, they still insist on flirting with a certain abstraction. It is necessary to find there, among angles, scales, framing and, especially, colors, a place for these titles-provocation.
Here it is important to draw attention to a genealogy of Brazilian art, in one of its many possibilities structured from the relationship with color. In this story, the poetic trajectory of Hélio Oiticica between the 1950s and 1970s is a fundamental landmark. From his Metaesquemas, through Bólides, Parangolés and Penetráveis, there is an interest in color that takes shape and the body of the spectator, and launches itself into space, inside and outside the museum, inside and outside the limits of art. It is color, which is no longer thought of as a complement or filling of form, putting aside a relationship with the world and with reality based on principles of representation, to start being thought of as a structuring element of the entire work. The color, which flirts and tensions the tropical cliché that the south had and still has to deal with. It is the autonomy of thought from the autonomy of color. These are apparently very simple gestures, but they are where everything happens.
Fernanda Lopes
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